Cher Mister Fantasy
Hey Mister Fantasy, joue-nous un air
Quelque chose pour nous rendre heureux
Fais n’importe quoi, sors-nous de cette grisaille
Chante un morceau, fais parler ta guitare
Fais-ça vite, sans traîner
C’est toi qui sais nous faire rire
Mais quand tu le fais,
les larmes te montent aux yeux
Ne sois pas triste :
si ton esprit avait été droit, bien rangé
on ne t’aurait pas connu
toutes ces années
Uh uh ah
Uh uh ah
Uh uh ah
Uh uh ah
Hey Mister Fantasy, joue-nous un air
Donne-nous quelque chose pour tenir
Fais ce que tu veux,
mais sors-nous de cette ombre
Chante un morceau, fais sonner la guitare
Fais-ça vite, ouais
Hey Mister Fantasy, joue-nous un air
Quelque chose pour nous rendre heureux
Fais n’importe quoi, sors-nous de cette grisaille
Chante un morceau, fais parler ta guitare
Fais-ça vite
C’est toi qui sais nous faire rire
Mais à force, tu pleures en silence
Ne sois pas triste :
un esprit trop droit
n’aurait jamais su nous accompagner
toutes ces années
« Dear Mr. Fantasy » est sorti en 1967, au tout début de l’aventure de Traffic. Ce titre naît dans une Angleterre où la musique rock, populaire, évolue et change de statut. Les musiciens ne doivent plus simplement faire danser ou passer le temps, mais ils ont en quelque sorte une nouvelle mission : accompagner une génération entière dans ses doutes, ses ruptures, ses espoirs confus.
Ainsi, à la fin des années 60, la scène devient un lieu de projection collective. Les artistes portent des attentes qui les dépassent : dire le malaise, ouvrir des issues, donner du sens là où le monde en manque. La musique commence à être perçue comme un refuge, parfois même comme une réponse.
Dans ce contexte, Dear Mr. Fantasy n’est pas une chanson légère. Elle revêt la forme d’une supplique presque désespérée : joue-nous quelque chose, n’importe quoi, mais aide-nous à tenir. Et quant à Mister Fantasy, il n’incarne pas un personnage réel. Il symbolise l’artiste sur scène, celui à qui l’on confie ses humeurs, ses manques, ses fatigues. Et lui, porte sur ses épaules toutes ces confidences.
Et le cœur du texte est bien là : l’artiste fait rire les autres, mais il pleure en silence. Ce qu’il donne au public — la légèreté, l’échappée, l’émotion — se paie intérieurement. C’est douloureux. Mais cette douleur n’est pas un défaut à corriger, mais la source même de ce qu’il offre.
Ici, la fragilité de l’artiste n’est donc pas un accident de parcours. Elle est ce qui rend sa voix reconnaissable, sa présence nécessaire, son art vivant. C’est justement parce qu’il doute, vacille, déborde, qu’il touche juste. En effet, lorsque le texte dit : « S’il avait eu l’esprit droit, équilibré, raisonnable, personne ne l’aurait suivi toutes ces années »,
il ne fait qu’énoncer une vérité inconfortable : un artiste parfaitement stable, sans faille, sans excès, ne deviendrait pas une figure à laquelle on s’attache.
Le public ne suit pas l’artiste malgré sa fragilité mais bien à cause d’elle. Et la chanson en parle, sans héroïsme, sans romantisme : comme un constat presque froid, mais profondément humain. Et derrière son apparente douceur, cette chanson est aussi l’histoire d’un pacte tacite et inégal, entre l’artiste et son public, ce dernier se nourrissant de ce qui, chez l’artiste, le met à nu.
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TRAFFIC
Au centre, Steve Winwood, 19 ans à peine. Ancien enfant prodige du Spencer Davis Group, il a déjà des tubes derrière lui, une voix immédiatement reconnaissable, et une lassitude précoce vis-à-vis de la pop industrielle. À ses côtés, Jim Capaldi, 22 ans, batteur et parolier, apporte une écriture plus intérieure, souvent mélancolique. Chris Wood, lui aussi 22 ans, flûtiste et saxophoniste, donne au groupe cette couleur aérienne et pastorale qui deviendra sa signature. Enfin, Dave Mason, 21 ans, guitariste et compositeur, injecte une veine plus pop et psychédélique, parfois en tension avec le reste du groupe.
La création du groupe en 1967– année du Summer of Love aux États-Unis – arrive à un moment charnière. On n’attend plus seulement des musiciens qu’ils divertissent : on attend d’eux qu’ils accompagnent une génération en quête de sens. Aussi, pour écrire et répéter, le groupe s’isole dans un cottage à la campagne, loin de Londres, comme pour se protéger du bruit et remettre la musique au centre.
Le premier album, Mr. Fantasy (1967), pose immédiatement les bases. On y trouve « Dear Mr. Fantasy », chanson emblématique qui dit déjà beaucoup : le public demande au musicien de le sortir de la grisaille, sans toujours mesurer ce que cela lui coûte. Pour un groupe dont le leader n’a même pas vingt ans, la lucidité est frappante. Et Traffic connaît très vite des tensions internes. Dave Mason va et vient. Le groupe se fragmente, se reforme. En 1969, Winwood quitte temporairement l’aventure pour Blind Faith, et Traffic semble s’éteindre. Mais ce n’est qu’un passage.
En 1970, Winwood, Capaldi et Wood relancent le groupe avec John Barleycorn Must Die. La musique a gagné en ampleur, en profondeur. Le succès est surtout américain. Traffic devient alors un groupe de transition majeur : entre la psychédélie des années 60 et un rock plus mature, plus étiré, propre aux années 70.
La force de ce groupe tient dans cette conscience précoce — presque trop précoce — d’avoir à payer un prix à payer pour créer – des musiciens très jeunes, et déjà confrontés à ce que la musique exige quand elle devient plus qu’un simple divertissement.
John Ibonoco
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Dear Mister Fantasy
Dear Mister Fantasy play us a tune
Something to make us all happy
Do anything take us out of this gloom
Sing a song, play guitar
Make it snappy
You are the one who can make us all laugh
But doing that you break out in tears
Please don’t be sad if it was a straight mind you had
We wouldn’t have known you all these years
Uh uh ah
Uh uh ah
Uh uh ah
Uh uh ah
Dear Mister Fantasy play us a tune
Something to make us all happy
Do anything take us out of this gloom
Sing a song, play guitar
Make it snappy, yeah
Dear Mister Fantasy play us a tune
Something to make us all happy
Do anything take us out of this gloom
Sing a song, play guitar
Make it snappy
You are the one who can make us all laugh
But doing that you break out in tears
Please don’t be sad if it was a straight mind you had
We wouldn’t have known you all these years
“Dear Mr. Fantasy” was released in 1967, at the very beginning of Traffic’s journey. The song emerges from an England where rock music is evolving and changing status. Musicians are no longer expected merely to make people dance or help them pass the time; they are given, in a way, a new mission: to accompany an entire generation through its doubts, its breaks, its confused hopes.
By the late 1960s, the stage has become a space of collective projection. Artists carry expectations that go far beyond them: to name the unease, to open exits, to give meaning where the world seems to lack it. Music begins to be perceived as a refuge—sometimes even as an answer.
In this context, Dear Mr. Fantasy is not a light song. It takes the form of an almost desperate plea: play us something, anything, but help us hold on. And Mr. Fantasy is not a real character. He stands for the artist on stage, the one to whom moods, shortcomings, fatigue are entrusted. He carries all those unspoken confidences on his shoulders.
This is where the heart of the song lies: the artist makes others laugh, but he cries in silence. What he gives to the audience—lightness, escape, emotion—comes at an inner cost. It hurts. Yet this pain is not a flaw to be corrected; it is the very source of what he offers. Here, the artist’s fragility is not an accident along the way. It is what makes his voice recognizable, his presence necessary, his art alive. It is precisely because he doubts, wavers, overflows, that he hits the mark.
When the song says, “If it was a straight mind you had, we wouldn’t have known you all these years,” it states an uncomfortable truth. A perfectly stable artist—without cracks, without excess—would never become a figure we truly attach ourselves to.
The audience does not follow the artist despite his fragility, but because of it.
And the song speaks of this without heroism or romanticism: as an almost cold observation, yet a deeply human one. Behind its apparent softness, the song also tells the story of a tacit and unequal pact between artist and audience—the latter feeding on what, in the artist, lays him bare.
TRAFFIC
At the center stands Steve Winwood, barely 19 years old. A former child prodigy of the Spencer Davis Group, he already has hit records behind him, a instantly recognizable voice, and an early weariness with industrial pop. Beside him, Jim Capaldi, 22, drummer and lyricist, brings a more inward, often melancholic writing.
Chris Wood, also 22, flutist and saxophonist, gives the band its airy, pastoral tone—one of its defining signatures. Finally, Dave Mason, 21, guitarist and songwriter, injects a more pop-oriented, psychedelic vein, sometimes in tension with the rest of the group.
Traffic’s formation in 1967—the year of the Summer of Love in the United States—comes at a turning point. Musicians are no longer expected simply to entertain; they are asked to guide a generation searching for meaning. To write and rehearse, the band retreats to a cottage in the countryside, away from London, as if to shield themselves from the noise and bring the music back to its core.
The first album, Mr. Fantasy (1967), immediately lays the groundwork.
It includes “Dear Mr. Fantasy,” an emblematic song that already says it all: the audience asks the musician to lift them out of the gloom, without always measuring the cost to him. For a band whose leader is not yet twenty, the clarity is striking.
Tensions soon appear. Dave Mason comes and goes. The band fragments, then reforms. In 1969, Winwood temporarily leaves for Blind Faith, and Traffic seems to fade away. But it is only a pause.
In 1970, Winwood, Capaldi, and Wood relaunch the band with John Barleycorn Must Die. The music has grown broader, deeper. Success comes largely from the United States. Traffic becomes a key transitional band, bridging the psychedelia of the 1960s and the more expansive, mature rock of the 1970s.
The strength of Traffic lies in this early—almost too early—awareness that creation comes at a price. Very young musicians, already confronted with what music demands when it becomes more than mere entertainment.
John Ibonoco
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